Итальянское Возрождение: «открытие человека», гуманизм и гуманисты, революция в искусстве

Предмет: Культурология
Тип работы: Реферат
Язык: Русский
Дата добавления: 08.12.2019

 

 

 

 

 

  • Данный тип работы не является научным трудом, не является готовой выпускной квалификационной работой!
  • Данный тип работы представляет собой готовый результат обработки, структурирования и форматирования собранной информации, предназначенной для использования в качестве источника материала для самостоятельной подготовки учебной работы.

Если вам тяжело разобраться в данной теме напишите мне в whatsapp разберём вашу тему, согласуем сроки и я вам помогу!

 

По этой ссылке вы сможете найти много готовых тем рефератов по культурологии:

 

Много готовых рефератов по культурологии

 

Посмотрите похожие темы возможно они вам могут быть полезны:

 

Древнерусская культура
Позднее западноевропейское Средневековье: города, возвращение Аристотеля, университеты
Реформация и ее влияние на западноевропейскую культуру: протестантизм, капитализм, либерализм
«Коперниканская революция» и философский рационализм Нового времени: рождение современной научной картины мира


Введение:

В конце XIV - начале XV вв. в Европе, а именно в Италии начала формироваться культура ранней буржуазии, называемая культурой эпохи Возрождения. Термин «Ренессанс» указывает на связь новой культуры с античностью. В это время итальянское общество стало активно интересоваться культурой Древней Греции и Рима, разыскивались рукописи древних писателей, поэтому были найдены произведения Цицерона и Тита Ливия. Ренессанс характеризовался многими очень значительными изменениями в мышлении людей по сравнению с периодом средневековья. Светские мотивы в европейской культуре усиливаются, различные сферы общества - искусство, философия, литература, образование, наука - становятся все более независимыми и независимыми от церкви. В центре внимания ренессансных фигур был человек, поэтому мировоззрение носителей этой культуры обозначается термином «гуманистический» (от лат. Humanus - человек).

Гуманисты эпохи Возрождения считали, что для человека важно не его происхождение или социальный статус, а личные качества, такие как ум, творческая энергия, предприимчивость, самооценка, воля, образование. Сильная, талантливая и всесторонне развитая личность, создатель себя и своей судьбы, была признана «идеальной личностью». В эпоху Возрождения человеческая личность приобретает беспрецедентную ценность, наиболее важной чертой гуманистического подхода к жизни является индивидуализм, который способствует распространению либерализма и общему повышению уровня свободы людей в обществе. Не случайно гуманисты, которые обычно не выступают против религии и не оспаривают основные принципы христианства, наделили Бога ролью создателя, который приводит мир в движение и не вмешивается в жизнь людей дальше.

Идеальный человек, по мнению гуманистов, - это «универсальный человек», человек - создатель, энциклопедист. Гуманисты эпохи Возрождения полагали, что возможности человеческого знания безграничны, потому что человеческий разум подобен божественному разуму, а сам человек подобен смертному богу, и в конце концов люди войдут на территорию небесных тел и поселяются там и стать как боги. Образованные и одаренные люди в этот период были окружены атмосферой всеобщего восхищения, поклонения, их почитали, как в средние века святых. Наслаждение земным существованием является неотъемлемой частью культуры эпохи Возрождения.

Культура раннего Возрождения

Возрождение в культурном прогрессе занимает особое место. Дело не только в том, что в истории человечества не так много эпох, отмеченных столь же бурной интенсивностью культурного, особенно художественного, творчества, таким обилием блестящих талантов, таким богатством великолепных достижений. Не менее поразительным является и другое: прошло пять веков, жизнь изменилась до неузнаваемости, а творения великих мастеров искусства эпохи Возрождения не перестают волновать все новые и новые поколения людей.

В чем секрет этой удивительной жизненной силы? Независимо от того, насколько мы очарованы совершенством формы, одного этого недостаточно для такой активной прочности. Секрет кроется в глубочайшей человечности этого искусства, в пронизывающем его гуманизме. После тысячелетия Средневековья Ренессанс был первой мощной попыткой духовного освобождения человека, освобождения и всестороннего развития, огромных творческих возможностей, скрытых в нем. Искусство, рожденное в эту эпоху, несет бессмертные этические ценности. Он воспитывает, развивает гуманные чувства, пробуждает человека в человеке.

Картина Византии, под влиянием которой итальянские художники начали выпускаться только в конце 13-го века, создавала шедевры, вызывающие у нас восхищение, но не изображала реальный мир.

Искусство средневековых художников не дает зрителю ощущения объема, глубины, не создает впечатление пространства и не стремится к этому.

Византийские мастера, лишь намекая на реальность, стремились, прежде всего, передать те идеи, убеждения и концепции, которые составляли духовное содержание их эпохи. Они создавали величественные изображения и символы, которые были чрезвычайно духовными, и в их живописи и мозаике человеческие фигуры оставались как бы бестелесными, условными, а также пейзажем и всей композицией.

Чтобы новое, реалистичное искусство восторжествовало как над готикой, так и византийской художественной системой, потребовалась революция в мировоззрении людей, которую можно назвать одним из величайших прогрессивных потрясений в истории человечества.

То, что обычно называют Ренессансом, было утверждением о преемственности великой древней культуры, утверждением идеалов гуманизма. Это был конец средневековья и начало новой эры. Носители новой культуры называли себя гуманистами, производя это слово от латинского humanus - «человек». Истинный гуманизм провозглашает право человека на свободу, счастье, признает добро человека в качестве основы социальной структуры и утверждает принципы равенства, справедливости, гуманности в отношениях между людьми.

Итальянские гуманисты открыли мир классической древности, искали творения древних авторов в забытых хранилищах и тщательно очищали их от искажений, внесенных средневековыми монахами. Их поиски были отмечены огненным энтузиазмом. Другие откопали фрагменты колонн, статуй, барельефов, монет. «Я воскрешаю мертвых», - сказал один из итальянских гуманистов, посвятивший себя археологии. И на самом деле древний идеал красоты был воскрешен под тем небом и на той земле, которая была ему вечна. И этот идеал, земной, глубоко человеческий и материальные, породил у людей с большой любовью к красоте мира и упрямой воле, чтобы знать этот мир. Такая грандиозная революция в отношении людей произошла на итальянской земле после того, как Италия вступила на новый путь своего экономического и социального развития. Уже в XI-XII вв. антифеодальные революции происходят в Италии с установлением республиканской формы правления во многих городах.

Исторически в Италии основным каналом бурной творческой деятельности эпохи Возрождения была не сама по себе умственная деятельность и даже не изящная литература, а изобразительное искусство. Именно в искусстве новая культура осознала себя с величайшей выразительностью, именно в искусстве она воплотилась в сокровищах, над которыми время не имеет силы. Возможно, никогда прежде (по крайней мере, со времен классической античности) и после человечества оно не пережило эпоху, когда изобразительное искусство сыграло бы такую ​​исключительную роль в культурной и общественной жизни. Само понятие «культура Ренессанса» пробуждает в сознании, прежде всего, безграничную, чарующую череду захватывающих душу творений живописи, скульптуры, архитектуры - одно красивее другого. Все это в высшей степени относится к высшей стадии развития этой культуры, к ее кульминационному периоду, который недаром называют Высоким Ренессансом. То, что ранее было попыткой, только прорывом, находится здесь во всей своей полноте мысли, совершенстве гармонии, в бурном потоке борьбы титанических сил. Однако он вел долгий и трудный подъем на вершину. Без этого невозможно понять кульминацию.

Гармония и красота получат непоколебимую основу в так называемом Золотом сечении (этот термин был введен Леонардо да Винчи, позже использовался другой термин - «божественная пропорция»), известный в древности, но интерес к которому возник в 15-м века. В связи с его применением, как в геометрии, так и в искусстве, особенно в архитектуре. Это гармоническое разделение сегмента, в котором большая часть является средней пропорциональной между всем сегментом и его меньшей частью, для которого человеческое тело может служить примером. Итак, человеческий разум является движущей силой искусства строительства. Это уже было кредо архитекторов Кватроченто, и через сто лет Микеланджело сказал бы еще более четко: «Архитектурные участники зависят от человеческого тела, а также от того, кто не был или не является хорошим мастером фигуры, а также анатомии, не могу понять это».

В своем структурном и декоративно-графическом единстве архитектура эпохи Возрождения преобразила облик собора - его центрическое куполообразное строение не раздавливает человека, но не отрывает его от земли, но своим величественным возвышением подтверждает господство человека над мир.

С каждым десятилетием XV в. Светское строительство становится все более распространенным в Италии. Не храм, даже не дворец, а общественное здание считалось первенцем подлинно ренессансной архитектуры. Это флорентийский литейный дом, который Брунеллески начал строить в 1419 году.

Чисто ренессансная легкость и изящество отличают это творение знаменитого архитектора, который вывел на фасад широкую открытую арочную галерею с тонкими колоннами и как бы соединил здание с площадью, архитектуру - «часть жизни» - самая часть города. Очаровательные медальоны из глазурованной обожженной глины с изображениями пеленавшихся новорожденных украшают маленькие тимпаны, красочно оживляя всю архитектурную композицию.

Флорентийские дворцы: Палаццо Питти, Палаццо Рикарди, Палаццо Ручеллаи, Палаццо Строцци и замечательная центральная купольная церковь Мадонны делле Карчели в Прато гармонично разделены своими мощными горизонтальными фасадами, без башен и арочных взлетов. Все это известные памятники архитектуры раннего ренессанса.

Добавим два слова о другом живописном жанре, который процветал во Флоренции 15-го века. Это элегантные сундуки или шкатулки (кассы), в которых хранились любимые вещи, платья, в частности приданое девушек. Вместе с их резьбой они были покрыты картинами, иногда очень элегантными, дающими яркое представление о моде того времени, иногда сценами, заимствованными из классической мифологии.

У истоков Ренессанса (Раннего Возрождения) в Италии был великий Данте Алигьери (1265-1321), автор «Комедии», которую потомки, выражая свое восхищение, назвали «Божественной комедией». Данте взял сюжет, привычный для средневековья, и силой своего воображения сумел провести читателя через все круги ада, чистилища и рая. Некоторые простые современники полагали, что Данте действительно был в потустороннем мире.

Данте, Франческо Петрарка (1304-1374) и Джованни Боккаччо (1313-1375) - известные поэты эпохи Возрождения, были создателями итальянского литературного языка. При жизни их произведения стали широко известны не только в Италии, но и далеко за ее пределами, и вошли в сокровищницу мировой литературы.

Сонеты Петрарки за жизнь и смерть Мадонны Лоры получили всемирную известность. Последователем Петрарки был Боккаччо, автор «Декамерона», сборника реалистических рассказов, объединенных общим гуманистическим идеалом и представляющих единое целое.
Ренессанс характеризуется культом красоты, особенно красоты человека. Итальянская живопись, которая временно становится ведущей формой искусства, изображает красивых, совершенных людей. Живопись раннего Возрождения представлена ​​работами Боттичелли (1445-1510), который создал произведения на религиозные и мифологические сюжеты, в том числе картины «Весна» и «Рождение Венеры», а также Джотто (1266-1337), который освободил итальянские фрески от византийского влияния.

Джотто Треценто (300-е годы) - это еще не эпоха Возрождения, это эпоха до Возрождения или прото - Возрождения. Более того, можно сказать, что прото-ренессансные тенденции появились в итальянской культуре и в целом в 13-м веке, а иногда даже в 12-м и 11-м веках. Предварительное возрождение уже подняло девиз подражания природе. Именно за это гуманисты искренне восхваляли Джотто. Флорентийский Джотто - первый среди титанов великой эпохи итальянского искусства. Он был, прежде всего, художником, а также скульптором и архитектором. Есть доказательства того, что он был глуп с самим собой и славился остроумием. Впечатление современников от произведений Джотто было огромным. Петрарка писал, что перед изображениями Джотто вы испытываете восторг, достигая ошеломления. А сто лет спустя знаменитый флорентийский скульптор Гиберти говорил о нем так: «Джотто видел в искусстве то, что было недоступно для других. Он принес естественное искусство. Он был изобретателем и первооткрывателем великой науки, которая была похоронена около шести сотен лет».

«Естественное искусство», потому что оно основано на изображении окружающего нас мира в том виде, в котором его видит наш глаз.

Здесь начался отрыв от средневекового, религиозного искусства. Там верховное совершенство считалось универсальным и сверхчувствительным богом, и к нему должно стремиться только искусство как единственный настоящий идеал. Все земное, естественное было объявлено обманчивым, призрачным, недостойным восхищения: ведь оно отвлекало от созерцания невидимого - Бога. Однако невозможно изобразить и воспринять сверхчувственное, и поэтому, чтобы изобразить Бога, ангелов и святых, пришлось прибегнуть к образу людей и в некоторой степени стихий природы. Но эти образы не должны иметь самостоятельной эстетической ценности, а служат лишь подсказками, символами «небесного», божественного. Видимое было позволено только обратить мысли людей к невидимому.

Начиная с Джотто, природа и человек сами стали объектом восхищения, они стали искать в них красоту и духовное богатство. Казалось, мир снова открывается перед людьми. Внимание, интерес, любовь к художникам все больше ориентируются на человека и на все, что его окружает. В этом была сила и заслуга раннего ренессанса, его великого философского и художественного открытия: импульс для человека и природы как сферы красоты и добра означал перенос эстетического и этического центра тяжести с гор, воображаемого, сверхъестественного сфера для земного, реального, человеческого мира.

Но здесь также скрывалась его слабость. Восхищенный открывшимся им миром искусство не могло не увлечься своим «красочным декором» и легко заблудиться на пути мелкого натурализма. Многие художники не выдержали этого мастерства и оставили потомкам картины, где присутствуют цветущие кавалькады, и мастерски изображены мухи, сидящие на нацарапанном листе бумаги, но там, где человек изображен мелко, невыразительно, он потерялся в этом праздничном или бытовая мишура.

Однако искусство раннего ренессанса со всеми его ограничениями отнюдь не было однозначно натуралистическим, простым. Это было сложно, противоречиво, и это внутреннее противоречие привело его вперед. Как ни странно, на первый взгляд, в искусстве раннего ренессанса, наряду с мелкой детализацией, с самого начала намечается еще одна синтезирующая тенденция: она неразрывно связана с созданием обобщенного, монументального и героического образа совершенного человека.

Одним из самых известных скульпторов того времени был Донателло (1386-1466), автор ряда реалистических работ портретного типа, которые впервые после античности представили обнаженное тело в скульптуре. Крупнейшим архитектором раннего ренессанса является Брунеллески (1377-1446). Он стремился объединить элементы древнеримского и готического стилей, строил храмы, дворцы, часовни.

Брунеллески

На самом деле искусство эпохи Возрождения началось в 15 веке, когда в первый год этого века флорентийская коммуна объявила конкурс на украшение дверей баптистерия Сан-Джованни. Лучшими были рельефы, представленные двумя молодыми художниками - Филиппо Брунеллески и Лоренцо Гиберти на одну и ту же тему - жертва Авраама. Оба рельефа были великолепны, оба новаторски смелы как в решении, так и в изобразительном языке. Джиберти отдал пальму первенства, вероятно, потому, что фигура Исаака, одетая в бойню отца, выглядела слишком послушной Богу на облегчении Брунеллески, это «дрожащее существо», жалкое, почти аморфное рабство, которого Авраам тащит на алтарь, как неразделенный зверь. Совсем нет с Гиберти. Его инопланетянин Исаак имеет жалкую убогость. Это стройный, гибкий мальчик на грани юношеского расцвета. Его пластичность очаровывает. Да, его колени положили на алтарь, его руки были связаны за спиной, но он не послушно склонил голову. Наоборот, он гордо поднял ее, и мы видим, сколько в ней красоты и достоинства. На его лице нет тени страха, в нем гордый вызов дикой несправедливости, которая готова обрушиться на него. Тот же вызов - в голом сундуке, бесстрашно развернутом, чтобы встретить опасность. Этот бесстрашный молодой человек не склонится перед безжалостным отцом и, возможно, даже перед самим богом, который не стеснялся отдавать такой бесчеловечный приказ.

«Исаак» Гиберти не только с редкой убедительностью выражал свободолюбивый, мятежный дух Флорентийской республики. По сути, он был первым, на самом пороге Кватроченто (400-е годы), в высоком обобщении воплотил идеальный образ гордого и прекрасного человека эпохи Возрождения.

Но у Брунеллески было два великих замысла: первый должен был вернуть хорошую Божью архитектуру, второй - найти, если ему это удастся, способ возведения купола Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции.

Дело в том, что в средневековой Европе они вообще не могли возводить большие купола, поэтому итальянцы того времени смотрели на древнеримский Пантеон с восхищением и завистью.

И вот как Вазари оценивает возведенный Брунеллески купол Флорентийского собора Санта-Мария-дель-Фьоре: «Определенно можно утверждать, что древние не достигли такой высоты в своих зданиях и не осмеливались пойти на такой риск, который заставил бы их конкурировать с самим небом, поскольку флорентийский купол, кажется, конкурирует с ним, потому что он так высоко, что горы, окружающие Флоренцию, кажутся ему равными. И действительно, можно подумать, что само небо ему завидует, потому что постоянно и часто целыми днями поражает его молнией».

Гордая сила Ренессанса! Флорентийский купол не был повторением ни купола Пантеона, ни купола св. Константинополя. София радует нас не высотой, даже не величием внешности, а прежде всего простором, который они создают в интерьере храма.

Купол Брунеллески врезается в небо со всей своей стройной массой, что означает для современников не милость небес к городу, а торжество человеческой воли, торжество города, гордую Флорентийскую республику. Не «спускаясь к собору с небес», но, органически вырастая из него, он был возведен в знак победы и власти для того, чтобы (как нам кажется) привлечь города и народы под его навесом.

Да, это было что-то новое, беспрецедентное, знаменующее триумф нового искусства. Без этого купола, воздвигнутого над средневековым собором на заре эпохи Возрождения, эти купола, которые после собора Микеланджела (над римским собором Святого Петра) были бы коронованы в последующие века соборами почти всей Европы.

Брунеллески вошел в мировую культуру как основатель архитектурной системы эпохи Возрождения и ее первый огненный гид, как преобразователь всей европейской архитектуры, как художник, чьи работы отмечены яркой индивидуальностью. Добавим, что он был одним из основателей научной теории перспективы, первооткрывателем ее основных законов, имевших большое значение для развития всей тогдашней живописи.

В эпоху гуманизма мир казался прекрасным человеком, и он хотел видеть красоту во всем, что он окружал в этом мире. И, следовательно, задача архитектуры стала наилучшим обрамлением человеческой жизни. Так красота стала конечной целью архитектуры. Для людей эпохи Возрождения красота была представлена ​​как точное, объективно определенное понятие, одинаковое для всех.

Леон Баттиста Альберти, крупный теоретик искусства XV века, определил законы красоты следующим образом: «Координация всех частей в единое целое, чтобы никто не мог быть удален или изменен без ущерба для целого».

И, превознося одно из творений Брунеллески, он подчеркнул, что «ни одна линия не живет в нем независимо».

Новое искусство основывалось на логике, на откровениях человеческого разума, подтвержденных математическими расчетами. А разум требовал ясности, гармонии, соразмерности.

Но было невозможно напрямую продолжить лучшие традиции раннего ренессанса - они должны были родиться заново, в новом, более высоком качестве. Гуманистическое искусство должно было найти в себе силу и смелость, чтобы отвергнуть соблазны модных, но ложных, декадентских движений, преодолеть кризис, бесстрашно двигаться вперед, вести туда, куда простиралось искусство раннего ренессанса, но там, где ему никогда не удавалось подниматься. Только титаны могли сделать это. И они появились.

Культура Высокого Возрождения

Золотой век итальянского искусства - это век свободы. Художники Высокого Возрождения владеют всеми средствами изображения - резкой и смелой картиной, которая раскрывает скелет человеческого тела, цвет, который уже передает воздух, а также тени и свет. Законы перспективы как-то сразу усваиваются художниками, как будто без каких-либо усилий. Фигуры приблизились, и гармония была достигнута в их полном освобождении.

Движение становится более уверенным, опыт более глубоким и страстным. Освоив форму, Кьяроскуро, освоив третье измерение, художники Высокого Ренессанса овладели видимым миром во всем его бесконечном разнообразии, во всех его открытых пространствах и укромных местах, чтобы представить его нам уже не дробно, а в мощном обобщении, в полном блеске своей солнечной красоты.

Браманте

Браманте следует признать выдающимся архитектором эпохи Возрождения. Работа Браманте утвердила на протяжении многих десятилетий общее направление архитектуры Высокого Возрождения. Его роль в архитектуре была не меньше, чем роль Брунеллески в прошлом веке.

Архитектура чинквеченто сдерживает радостную подвижность раннего ренессанса и превращает ее в размеренный шаг. Исчезает мерцающее разнообразие деталей, выбор нескольких крупных фигур увеличивает запоздалую внушительность всего. Знаменитый римский палаццо Канчеллерия (там, где находился папский офис), в завершении которого участвовал Браманте, отмечает триумф стены над ордером: именно тонкая часть стены создает величественную изоляцию огромного фасада. И в очень небольшом купольном храме Темпьетто (возведенном в Риме в 1502 году), с нишами внутри и снаружи, окруженными римско-дорической колоннадой, Браманте привел пример абсолютной монументальности, независимой от размеров здания, поэтому этот храм был воспринимается современниками как «манифест новой архитектуры».

Как истинный гений, Браманте был отличительным. Однако его искусство питалось соками очень высокой культуры. Когда он работал в Милане, там был Леонардо да Винчи, с которым он сотрудничал в подготовке городских планов.

Семидесятилетний Браманте умер в 1514 году в разгар своей работы по восстановлению Ватикана.

Эпоха раннего ренессанса закончилась к концу XV в. На смену ему пришел Ренессанс - время расцвета гуманистической культуры Италии. Именно тогда с величайшей полнотой и силой были высказаны представления о чести и достоинстве человека, его высокой миссии на Земле. Титаном Высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1456-1519), один из самых замечательных людей в истории человечества, обладающий разносторонними способностями и талантами. Леонардо был одновременно художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, астрономом, физиологом, анатомом - и это далеко не полный список основных направлений его деятельности. Он обогатил почти все области науки гениальными догадками. Его самые важные произведения искусства - «Тайная вечеря», фреска в миланском монастыре Санта-Мария-делла-Грацие, на которой изображен момент ужина после слов Христа: «Один из вас предаст меня», а также известный на весь мир портрет молодой флорентийки Моны Лизы, которая носит другое имя «Мона Лиза» по имени ее мужа Джокондо.

Великим титаном эпохи Возрождения был также великий художник Рафаэль Санти (1483-1520), создатель «Сикстинской Мадонны», величайшего произведения мировой живописи.

Последним великим представителем культуры Высокого Возрождения был Микеланджело Буонаротти (1475-1654) - скульптор, художник, архитектор и поэт, создатель знаменитой статуи Давида, скульптурных фигур «Утро», «Вечер», «День», «Ночь», созданная для гробниц в часовне Медичи. Микеланджело расписал потолок и стены Сикстинской капеллы Ватиканского дворца. Одна из самых впечатляющих фресок - сцена Страшного Суда. В творчестве Микеланджело более отчетливо, чем у его предшественников - Леонардо да Винчи и Рафаэля Санти, присутствуют трагические заметки, вызванные осознанием установленного для человека предела, пониманием ограничений человеческих возможностей, неспособностью «превзойти природу».

Примечательными художниками этого периода были Джорджоне (1477–1510), создавшие знаменитые картины «Юдифь» и «Спящая Венера», и Тициан (1477–1576), поющие о красоте мира и человека. Он также создал галерею великолепных портретов могущественных и богатых современников.

Титаны Ренессанса

Четыре гения сияют в тогдашней Италии. Четыре гения, каждый из которых представляет собой целый мир, целостный, совершенный, поглощающий все знания, все достижения прошлого века и поднимающий их на ступени, до тех пор недоступные для человека: Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан. 

Леонардо да Винчи

Среди титанов эпохи Возрождения одно из первых мест по праву принадлежит Леонардо да Винчи (1452-1519). Сила его ума, его гениальные научные предсказания, его замечательные технические изобретения и, наконец, его великое реалистическое искусство - все это уже поразило людей Ренессанса, склонных воспринимать Леонардо как живое воплощение этого идеала всесторонне развитой личности, о котором мечтали лучшие мыслители и писатели XV века - XVI века.

Пулемет, подводное снаряжение, танк, дельтаплан, автомобиль, вертолет, парашют. Если вы попытаетесь продолжить эту логическую серию, то образованный человек обязательно скажет: Леонардо да Винчи. Вряд ли в истории планеты будет другой человек, которого можно охарактеризовать с таким же количеством эпитетов: изобретатель, художник, анатом, музыкант, архитектор, скульптор, инженер, гений, провидец, поэт. Его изобретения были на сотни лет раньше времени. Его жизнь окутана тайной, а некоторые работы до сих пор удивляют.

Титаническая фигура Леонардо да Винчи по праву считается наиболее полным воплощением гения Ренессанса, воплощения идеала «героического человека». Его необычайный талант лишь подчеркивал особенно значительную степень реализации тех возможностей для совершенствования, которые, согласно учению гуманизма, присущи человеку. Поразительная универсальность таланта Леонардо, одного из величайших мастеров живописи, и в то же время фортификатора и градостроителя, гидротехника и мелиоратора, одинаково глубоко интересовалась проблемами математики и механики, астрономии и космологии, геология и палеонтология, анатомия и ботаника, оптика и перспективы - короче говоря, со всем неразделимым миром природы, окружающим человека и самого человека в этом мире, - универсальность, которая заставляла современников восхищаться и подозревать и заставляла отдаленных потомков говорить о предвидении многих веками более поздних научных открытий, если не по степени развития, то по самому факту его существования вписывается в общую картину художественного и научного творчества эпохи Возрождения.

Еще при его жизни ходили легенды о Леонардо да Винчи. Его называли магом и колдуном. Всезнающий ангел и антихрист. Не было людей равнодушных к его личности. Его либо обожали, либо ненавидели, либо обожали и ненавидели одновременно. Он был загадкой для современников и до сих пор остается одной из самых загадочных фигур в истории человечества.

В одном из своих дневников Леонардо да Винчи рассказывает притчу о человеке, которому сказали, что пора вставать, потому что солнце уже взошло, на что мужчина ответил: «Если бы мне пришлось идти по такому пути и делать столько всего, что и солнце, я бы уже встал, но у меня очень маленький путь, и поэтому я не хочу вставать. «Странно, но столетия спустя о самом Леонардо будут говорить как о человеке, который проснулся слишком рано для своей эпохи. Красивый и восторженный Ренессанс, очарованный красотой и совершенством, был безразличен к изобретениям Леонардо. Многие из его современников сожалели о том, что мастер Леонардо тратит время на бесполезные изобретения, вместо того чтобы полностью сосредоточиться на живописи. Они были еще более расстроены вечными экспериментами мастера с красками. Итак, знаменитая «Тайная вечеря», которую Леонардо решил нарисовать маслом, начала коллапс при жизни художника. А невозможность посвятить себя одной вещи привела к тому, что выполнение заказов было отложено до неприличного положения.

Леонардо интересовало все, что он видел. И в сфере его интересов нашли место даже такие странные и нелепые вещи, как создание зловония.

Леонардо принялся изучать многие предметы, но потом бросил их. Однако современники не слишком хорошо знали Леонардо, для них он был секретом семи печатей. Его образ жизни был непостижимым. Маэстро не ел мяса, спал пятнадцать минут каждые четыре часа, игнорируя ночь как таковую. Он написал левой рукой то, что в то время считалось признаком зла, кроме того, он держал свои записи в зеркальном письме, которое было совершенно непонятным и даже страшным. Его часто видели возле виселицы с блокнотом в руке, где он осторожно, без каких-либо эмоций рисовал фигуру мертвого человека, не упуская ни малейших деталей в выражении его лица и позы. Он водил уродов в свой дом и с энтузиазмом писал карикатуры от несчастных людей. Было ли это проявлением нечувствительности или просто еще одним исследованием? Для представителей низших классов был только один ответ - у мастера нет сердца. Странный мужчина с красивой внешностью, изысканными манерами в экстравагантном дорогом платье вызывал страх у людей из низшего класса, считавших его колдуном, заключившим сделку с дьяволом. Некоторые из изобретений Леонардо поразили еще более просвещенных людей того времени. Его план создания самолета, похожего на крылья, казался абсурдным, не говоря уже о катании на лыжах для прогулок на воде или снаряжении для подводного плавания, для перемещения по дну. Желание гения проникать в недоступные для людей сферы отпугивало людей как признак безумия или неверия.

«Только одиночество дает необходимую свободу» - эти слова нередко встречаются в дневниках Леонардо. И, как утверждают современники художника, он был абсолютно свободен. У него не было близких друзей, он почти не разговаривал с родственниками, не был женат и не влюблялся, хотя есть очень смутная версия его страсти к Моне Лизе и менее смутная версия его мальчика, ученика по имени Салай. Он не был патриотом и, не задумываясь, мог разработать военные устройства для герцогов Флоренции и Милана, не говоря уже об изобретениях, которые родились во время службы Леонардо во французском дворе. Сегодня его назовут космополитом, но в те дни такое пренебрежение отечеством было недопустимым. Леонардо не понимал, но не мог не восхищаться.

Современная идея Леонардо мало чем отличается от идей людей на рубеже XV-XVI веков. Мы не знаем, что это было на самом деле. Леонардо посвятил свои дневники наблюдениям, исследованиям, предсказаниям, но не самому себе. Вкратце, без эмоций и страсти он сообщил о смерти своей матери или смерти герцога Лодовико Моро. Это еще одна загадка Леонардо. К кому мастер обратился в своих дневниках и почему он вел их так, будто знал, что когда-нибудь они будут доступны слишком многим? Возможно, именно поэтому он не пытался раскрыть свою душу на страницах своих тетрадей, ему было гораздо важнее рассказать о сделанных им открытиях. Но, с другой стороны, известно, что не все гениальные дневники сохранились до наших дней. Потерянные или умышленно уничтоженные ими, остается еще одним секретом, связанным с именем Леонардо да Винчи.

Рафаэль Санти

Рафаэль Санти (1483-1520), выдающийся итальянский художник и архитектор эпохи Возрождения. Сын художника Джованни Санти. Учился у П.Перуджино. В 1504-08 гг. работал во Флоренции. В 1508 году по приглашению папы Юлия II он переехал в Рим.

Уже в ранних картинах осязаемое стремление Рафаэля к гармонии, умение находить тонкое созвучие форм и ритмов линий, движений и жестов персонажей, цветов является ощутимой характеристикой.

Творческая атмосфера Флоренции, где Рафаэль познакомился с Леонардо да Винчи, сыграла огромную роль в становлении художника. Начиная работать с натуры, он изучает анатомию, сложные позы и ракурсы камеры, ищет емкие и лаконичные, гармонично сбалансированные композиционные формулы. Основой композиции становится, как и в работах многих других мастеров эпохи Возрождения, пирамида, в которую вписаны фигуры. Любимая тема - молодая Мадонна в пейзаже, у ног которой играют Младенец Христос и Иоанн Креститель.

В Риме Рафаэль получил заказ от папы Юлия II на покраску парадных залов Ватиканского дворца. Фрески Stanza della Senyatura (1509-11) представляют собой величественные многофигурные композиции, которые воплощают основные направления духовной деятельности: богословие («Диспут»), философия («Афинская школа»), поэзия («Парнас»), право («Мудрость, мера силы»), а также аллегорические, библейские и мифологические сцены на потолке, соответствующие основным композициям. Фигуры переплетаются в одном ритме, плавно переходя от одной группы персонажей к другой. В следующей комнате - строфа Элидора (1512-14) - стены расписаны композициями «Изгнание Элидора из храма», «Чудесный исход апостола Петра из темницы», «Месса в Больсене», «Встреча папы Льва». Я с Аттилой». Драматическая, захватывающая история рассказывается с помощью возбужденных движений и жестов, контрастов света и тени. «Чудесный исход апостола Петра из темницы» передает самые сложные эффекты ночного освещения: ангел появляется в ослепительное сияние против Холодный лунный свет и огненные отражения факелов на доспехах стражи. Фреска «Триумф Галатеи» (ок. 1514–15), наполненная радостным ликованием, была завершена на вилле Фарнезина.

В Риме Рафаэль также оказался архитектором. С 1514 года, после смерти Д.Браманте, Рафаэль руководил строительством собора Святого Петра, создавал проекты для церковных и светских зданий (церковь Сан-Элихио-дельи-Орефичи, ок. 1509, часовня Киджи в церкви Санта-Мария-дель-Пополо, c. 1512-20, Вилла Мадам, с 1517 года, не закончена). В 1515 году художник был назначен комиссаром древностей, руководил археологическими раскопками, изучал древние памятники.

Обратившись к лицу Мадонны, Рафаэль ищет новые творческие решения. В «Мадонна делла Седия» (ок. 1513) фигуры молодой Богоматери и младенцев Иоанна Крестителя и Христа соединены вместе в круговое движение, которое подчеркивается круглой рамкой (тондо). Как будто Мадонна пытается спрятать сына на руках, глядя на зрителя по-детски серьезному взгляду. Рафаэль настойчиво искал способ воплотить идеальный образ Божией Матери. Поиски увенчались созданием «Сикстинской Мадонны» (ок. 1515-19 гг.). Босая, но царственная и величественная, она ступает в облака. Мадонна с почтением наблюдает за Сикстом и святой Барбарой. Молодая Богородица спокойна, но в своем сияющем взгляде, в жесте, которым она держит Младенца, она уже готова дать это. Она предвидит Крестный путь Сына и его страдания. Тяжелый занавес, открывшийся над Матерью Божьей, усиливает ощущение чудесного явления, которое предстало перед людьми.

Портреты Рафаэля отличаются благородством и гармоничностью образов, композиционным балансом, тонкостью и богатством цвета.

Произведение Рафаэля оказало значительное влияние на последующее развитие итальянской и европейской живописи, став наряду с произведениями античности высшим примером художественного совершенства, к которому обращались мастера различных творческих направлений, от классицистов до символистов.

Микеланджело Буонаротти

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) - один из самых удивительных мастеров высокого и позднего ренессанса в Италии и мире. По масштабам своей деятельности он был истинным универсалом - блестящим скульптором, великим художником, архитектором, поэтом, мыслителем. Монументальность, пластичность и драматичность образов, восхищение человеческой красотой уже были очевидны в ранних работах мастера. Его творения подтверждают физическую и духовную красоту человека, его безграничные творческие возможности.

Его страстью овладела великая страсть, и он был ужасен, потому что все подчинял своей страсти, не пощадив ни других, ни себя. Он знал, чего он хотел, и, как это бывает даже с самыми замечательными людьми, он твердо верил, что только его воля заслуживает уважения: что заветная цель была ему ясна, как никто другой. Вместе с Леонардо да Винчи и Рафаэлем Микеланджело составляет триаду величайших светил, появившихся на горизонте искусства за всю христианскую эпоху. Он приобрел громкую, неувядающую славу во всех трех основных областях искусства, но по большей части он был скульптором: пластиковый элемент преобладал в его гении до такой степени, что этот элемент захватывает его картины и архитектурные композиции. Он был первым скульптором, который узнал структуру человеческого тела и вырезал скульптуры из мрамора, демонстрирующие красоту человеческого тела.

Трагедия Микеланджело заключалась в том, что он, блестящий скульптор, который феноменально чувствовал мрамор, должен был подчиняться прихотям поп-отцов и заниматься живописью, архитектурой, бронзовым литьем и созданием фресок. Но даже в этих областях, не свойственных ему, проявился настоящий гений Матери. К сожалению, многие его планы и идеи остались нереализованными, большое количество его творений не сохранилось до наших дней, многие проекты не были завершены при его жизни.

Микеланджело был одним из величайших скульпторов, величайших художников и величайших архитекторов своего времени; нет такого человека, как он, который оставил бы такое богатое наследие последующим поколениям. Во всем мире имя Микеланджело связано с фреской «Сотворение Адама», статуями Давида и Моисея, собором Святого Петра в Риме. Наш сайт также познакомит вас с малоизвестными страницами его жизни и творчества, познакомит вас с галереей его творений, в которую входят: скульптуры Микеланджело, фрески Сикстинской капеллы, архитектурные сооружения Рима и Флоренции, картины, рисунки и зарисовки.

Тициан Вечеллио

Тициан Вечеллио, великий итальянский художник, представитель венецианской школы. Родился в Пьеве-ди-Кадоро - небольшом городке на границе венецианских владений в Альпах. Он происходил из семьи Вечелли, очень влиятельной в городе. Отец художника во время войны в Венеции с императором Максимилианом оказал большую услугу Республике Святого Марка.

Талант художника появился в Тициане довольно рано. Уже в возрасте девяти лет его отец отправил его в Венецию к художнику мозаики С. Цуккато. Однако Тициан не задержался в этой мастерской надолго. Вскоре он отправился к Дж.Беллини. В 1507 году вместе с Себастьяно дель Пьомбо он поступил в мастерскую Джорджоне, но не в качестве ученика, а в качестве первого помощника. Три года, проведенные здесь, очень много значили для художника. Джорджоне представил его Пьетро Бембо - одному из ярких представителей патрицианской культуры. Многие из ранних работ Тициана, в основном портреты, были написаны под влиянием Джорджоне. Считается, что он завершил несколько работ последнего, в том числе «Спящую Венеру».

В 1514 году герцог Альфонсо д'Эсте пригласил Тициана к себе в Феррару. В герцогском дворце Тициан создал несколько замечательных картин, из которых выделяется серия портретов Лауры де Дьянти - любовника герцога. Сейчас они находятся в разных коллекциях - «Тициан Бьюти» (Париж. Лувр) и «Флора» (Флоренция). Здесь Тициан подружился с великим итальянским поэтом Ариосто, чей замечательный портрет он написал. В трех крупных мифологических композициях, созданных в течение следующих нескольких лет для герцогов Феррара д'Эсте, он использовал цвет с еще большим мастерством. Формирование творчества Тициана совпало с началом нового периода в жизни Венеции - периода героической борьбы республики за независимость. В оккупированных городах возникли патриотические организации, одной из которых была Тайная лига пятнадцати, возглавляемая родственниками Тициана.

Самые первые картины художника - «Ассунта» (1516-18) - пронизаны силой, титанизмом образов. Вскоре Тициан омрачил своих учителей и получил звание первого художника Венецианской республики (1516) с обязательством рисовать портрет каждого нового дожа. Тициан исполнил три портрета: Ландо (1531), Донато (1535) и Тревизано (1553), которые находятся в зале Большого совета Дворца дожей. Первой крупной работой стала картина «Вознесение Девы Марии» (1518 г. Венеция, Церковь Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари), написанная в типичном высоком духе.

В 20-40-х годах в духовной жизни Венеции начинается новое возрождение. Венеция является единственным итальянским государством, которому удалось сохранить республиканскую форму правления и власти. Начинается массовая миграция представителей прогрессивной культуры в Венецию. В 20-х и 40-х годах Тициан был в расцвете своих творческих сил и славы. В этот период он встретился в Болонье с императором Священной Римской империи - Карлом V. Эта встреча до конца его жизни связывала его с Габсбургами. К 30-м годам 16-го века его слава вышла далеко за пределы Италии. Он получил титул графа Палатинского от Карла V. Его жизнь не могла долго омрачать даже смерть его жены Чечиллы.

В эти годы Тициан, П.Аретино и Дж.Сансовино возглавляли так называемый «Триумвират» - центр культурной жизни Венеции. Наряду с картинами для частных клиентов, Тициан создал монументальные героические полотна для венецианских церквей и Дворца Дожей. Его «Битва при Кадоре» (1514–36), которая умерла в 70-х годах XVI века и известна только по копиям, является первой настоящей исторической картиной эпохи Возрождения. В 1533 году он стал придворным художником Карла V. Его сын, Филипп II из Испании, позже стал его покровителем.

Блестящий расцвет творчества Тициана-портретиста связан с этим периодом. В 30-х годах он создал портрет молодого авантюриста - кардинала Ипполито Медичи (1533 год, Флоренция, Галерея Питти), замечательный портретный портрет короля рыцаря Франциска I (ок. 1538–39 года, Париж, Лувр), монументальный, полный длина портрета Карла V (1533 год, Мадрид, Прадо) и серия идеализированных портретов двенадцати римских цезарей для Федериго Гонзаго (1538 год). В 40-х годах 16-го века Тициан приехал в Рим, где ему был заказан портрет папы. Сорок лет - последний период творчества художника - связаны с началом нового этапа феодально-католической реакции в Италии. Тем не менее, в 1544 году Тициан создал одну из своих знаменитых картин - «Подари». В XVI веке это был довольно редкий сюжет. Художник начал работать над ним еще в Венеции для Оттавио Фарнезе. Картина была в частных камерах Алессандро Фаресе в Ватикане. Несколько работ Тициана связаны с этой семьей. Одним из самых выдающихся был портрет Павла III с Оттавио и Алессандро Фарнезе. Через последнего Тициан пытался добиться для своего сына Помпония престижной епархии. Портрет настолько верно отражал персонажи трех человек, что они не спешили брать его у художника. В это время ведущей темой его творчества было столкновение человека с внешним миром. В 1548 - 49 и 1550 - 51 он создал портреты сановников императорского двора в Аугсбурге (Германия). Реалистичные тенденции в работе Тициана наиболее полно выражены в портретах. Ни один другой художник Высокого Возрождения не уделял этому жанру такого внимания, как Тициан. Его портрет был не второстепенным, но в отдельные периоды - ведущим жанром.

В 1560-х годах он создал серию картин по заказу Филиппа II из Испании. В последние годы он писал очень свободно, предвосхищая творчество импрессионистов. Работы Тициана отличаются богатой цветовой гаммой, изобретательской композицией. Он создал большое количество работ на религиозные и мифологические темы. Его творчество оказало влияние не только на венецианскую школу, но и на все западноевропейское искусство.

Культура позднего ренессанса

Следующим этапом в культуре Ренессанса является поздний ренессанс, который, как принято считать, длился с 40-х годов. XVI век и конец XVI - первые годы XVII в.

Италия, родина Ренессанса, стала первой страной, где началась католическая реакция. В 40-х гг. XVI век Здесь инквизиция, преследующая лидеров гуманистического движения, была реорганизована и усилена. В середине XVI в. Папа Павел IV составил «Указатель запрещенных книг», который впоследствии пополнялся новыми работами. В этот список входят произведения, которые верующим запрещали читать под угрозой отлучения от церкви, поскольку, по мнению церкви, они противоречили основным положениям христианской религии и отрицательно влияли на сознание людей. В указатель также включены работы некоторых итальянских гуманистов, в частности Джованни Боккаччо. Запрещенные книги были сожжены, одна и та же участь постигла и их авторов, и всех несогласных, которые активно защищали свои взгляды и не хотели идти на компромисс с католической церковью. Многие продвинутые мыслители и ученые погибли на костре. Так, в 1600 году в Риме на площади цветов был сожжен великий Джордано Бруно (1540-1600), автор знаменитой работы «О бесконечности, вселенной и мирах».

Многие художники, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, стараясь постичь только «манеру» великих деятелей эпохи Возрождения. Крупнейшими художниками, работающими в стиле маньеризма, были Понтормо (1494-1557), Бронзино (1503-1572), скульптор Челлини (1500-1573). Их работы отличались сложностью и интенсивностью изображений. В то же время некоторые художники продолжают развивать реалистическую традицию в живописи: Вероненсе (1528-1588), Тинторетто (1518-1594), Караваджо (1573-1610) и братья Караччи. Творчество некоторых из них, например Караваджо, оказало большое влияние на развитие живописи не только в Италии, но и во Франции, Испании, Фландрии и Голландии. Взаимопроникновение культур становилось все глубже и глубже, формируя общеевропейскую культуру, общеевропейскую цивилизацию.

Гуманистическое движение было общеевропейским явлением: в XV в. гуманизм распространяется за пределы Италии и быстро распространяется по всем странам Западной Европы. Каждая страна имела свои особенности в формировании культуры эпохи Возрождения, своих национальных достижений, своих лидеров.

В Германии идеи гуманизма стали известны в середине 15-го века, оказав сильное влияние на университетские круги и прогрессивную интеллигенцию.

Выдающимся представителем немецкой гуманистической литературы был Иоганн Рейхлин (1455-1522), который стремился показать божественное в самом человеке. Он является автором знаменитого сатирического произведения «Письма темных людей», в котором представлена ​​череда невежественных, темных людей - магистров и бакалавров, среди прочего, с учеными степенями.

Возрождение в Германии неразрывно связано с феноменом Реформации - движением за реформу католической церкви, за создание «дешевой церкви» без реквизиции и оплаты ритуалов, за очищение христианской доктрины от всего неправильного позиции, которые были неизбежны в долгой истории христианства. Возглавлял реформационное движение в Германии Мартин Лютер (1483-1546), доктор богословия и монах августинцев монастыря. Он верил, что вера - это внутреннее состояние человека, что спасение дается человеку непосредственно от Бога, и что к Богу можно прийти без посредничества католического духовенства. Лютер и его сторонники отказались вернуться в лоно католической церкви и протестовали против требования отказаться от своих взглядов, положив начало протестантскому течению в христианстве. Мартин Лютер был первым, кто перевел Библию на немецкий язык, что во многом способствовало успеху Реформации.

Победа Реформации в середине XVI в. вызвало общественный подъем и рост национальной культуры. Изобразительное искусство достигло замечательного расцвета. В этой области работали знаменитый живописец и гравер Альбрехт Дюрер (1471-1528), художники Ганс Гольбейн Младший (1497-1543), Лукас Кранах Старший (1472-1553).

Немецкая литература достигла заметного подъема. Крупнейшими немецкими поэтами эпохи Реформации были Ганс Сакс (1494-1576), который написал много поучительных басен, песен, драматических произведений, и Иоганн Фишарт (1546-1590), автор остросатирических произведений, последний представитель немецкого Ренессанса.

Крупнейшим представителем ренессансной культуры в Нидерландах был Эразм Роттердамский (1496-1536). Ценность произведений великого гуманиста и просветителя, включая его знаменитую «Похвалу глупости», для воспитания свободомыслия, критического отношения к схоластике, суевериям действительно неоценима. Его сатирические произведения получили широкую известность в Германии, Франции, Испания, Англия: отличные по форме, глубокие по содержанию, они находят своих читателей веками.

Одним из предшественников и основателей либерализма можно считать Дирка Кёрнхерта, представителя идей свободы, религиозной терпимости и космополитизма. Работы Филиппа Альдохонде, автора национального гимна Нидерландов, художников Петра Брейгеля (1525-1569), Франса Хальса (1580-1660) относятся к тому же времени. Отличительной чертой культурной жизни Нидерландов были риторические общества, которые организовывались не только в городах, но и в деревнях и даже небольших деревнях. Члены этих обществ (и любой мог войти в их состав) соревновались в сочинении стихов, песен, пьес и рассказов. Риторические общества способствовали распространению образования в обществе, повышению его культурного уровня.

В Англии в центре внимания гуманистических идей был Оксфордский университет, где работали ведущие ученые того времени - Грозен, Линакр, Колет. Развитие гуманистических взглядов в области социальной философии связано с именем Томаса Мора (1478-1535), автора утопии, который представил на суд читателей идеал, по его мнению, человеческого общества: в нем все равны, частной собственности нет, а золото не является ценностью - из него сделаны преступники. Наиболее известными авторами были Филипп Сидни (1554–1586), Эдмунд Спенсер (1552–1599).

Величайшей фигурой английского ренессанса был Уильям Шекспир (1564-1616), создатель всемирно известных трагедий Гамлет, Король Лир, Отелло, исторических пьес Генрих VI, Ричард III и сонеты. Шекспир был драматургом в Лондонском театре «Глобус», который был очень популярен среди публики. Английские театры того времени посещали люди всех классов - аристократы, чиновники, купцы, клерки, крестьяне, рабочие, ремесленники, моряки. Подъем театрального искусства, его публичный и демократический характер способствовали развитию демократических структур в английском обществе.

Возрождение в Испании было более противоречивым, чем в других европейских странах: многие гуманисты здесь не выступали против католицизма и католической церкви. Рыцарские романы, а также мошеннические романы были широко распространены. Фернандо де Рохас, автор знаменитой трагикомедии «Селестина» (написано около 1492–1497), впервые выступил в этом жанре. Эта линия была продолжена и развита великим испанским писателем Мигелем де Сервантесом (1547-1616), автором бессмертного Дона Кихота, писателем-сатириком Франсиско де Кеведо (1580-1645), который создал знаменитый роман «История предателя».

Основателем испанской национальной драмы является великий Лопе де Вега (1562-1635), автор более 1800 литературных произведений, в том числе таких как «Собака в сене», «Учитель танцев».

Значительных успехов достигла испанская живопись. Особое место в нем принадлежит Эль Греко (1541-1614) и Диего Веласкесу (1599-1660), чьи работы оказали огромное влияние на развитие живописи в Испании и других странах.

Во Франции гуманистическое движение начало распространяться только в начале 16 века. Выдающимся представителем французского гуманизма был Франсуа Рабле (1494-1553), который написал сатирический роман Гаргантюа и Пантагрюэль. В 40-х гг. XVI век во Франции стал литературным направлением, которое вошло в историю под названием «Плеяды». Знаменитые поэты Пьер де Ронсар (1524-1585) и Хоакин дю Бель (1522-1566) вели это направление. Другими известными поэтами французского Ренессанса были Агриппа Орбинет (1552-1630) и Луиза Лабе (1525-1565).

Самой важной темой в поэзии эпохи Возрождения было воспевание любви. Показательны в этом отношении сонеты Пьера Ронсара, по прозвищу «Принц поэтов», которые оказали очень сильное влияние на развитие французской поэзии в целом.

Крупнейший представитель культуры Франции XVI в. был Мишель де Монтень (1533-1592). Его основная работа - «Эксперименты» - была размышлением на философские, исторические, этические темы. Монтень доказал важность эмпирических знаний, прославил природу как наставника для человека. «Эксперименты» Монтеня были направлены против схоластики и догматизма, они утверждали идеи рационализма - эта работа оказала значительное влияние на последующее развитие западноевропейской мысли.

Во времена Ренессанса пробудился интерес к искусству Древней Греции и Рима, что побудило Европу измениться, что ознаменовало конец средневековья и начало нового времени. Этот период был не только временем «оживления» древнего прошлого, но и временем открытий и исследований, временем новых идей. Классические примеры вдохновляли новое мышление, особое внимание уделялось человеческой личности, развитию и проявлению. способностей, а не их ограничений, что было характерно для средневековья. Образование и исследования больше не были исключительно церковной работой. Возникли новые школы и университеты, были проведены научные и медицинские эксперименты. Художники и скульпторы стремились к своей работе. для естественности, для реалистичной реконструкции мира и человека. Изучались классические статуи и анатомия человека. Художники стали использовать перспективу, отказавшись от плоского образа. Объектами искусства являются человеческое тело, классические и современные предметы, а также религиозные темы. в Италии, капиталистические отношения возникли, и дипломатия начали использовать в качестве инструмента в отношениях между городами-государствами. Научные и технические открытия, такие как изобретение книгопечатания, способствовали распространению новых идей. Постепенно новые идеи охватили всю Европу.

Заключение

Итак, Ренессанс - это эпоха в жизни человечества, отмеченная колоссальным подъемом искусства и науки. Искусство Ренессанса, возникшее на основе гуманизма, - ход общественной мысли, провозглашающей человека высшей ценностью жизни. Главной темой в искусстве стал красивый, гармонично развитый человек с неограниченными духовными и творческими возможностями. Искусство эпохи Возрождения заложило основы европейской культуры Нового века, коренным образом изменило все основные виды искусства. В архитектуре были созданы творчески пересмотренные принципы системы античного порядка и разработаны новые типы общественных зданий. Живопись была обогащена линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого тела. Земное содержание проникло в традиционные религиозные темы произведений искусства. Интерес к древней мифологии, истории, бытовым сценам, пейзажам, портретам возрос. Наряду с монументальными настенными росписями, украшающими архитектурные сооружения, появилась картина, возникла картина маслом. Творческая личность художника, как правило, универсально одаренной личности, занимала первое место в искусстве.

В искусстве эпохи Возрождения пути научного и художественного осмысления мира и человека тесно переплетены. Его познавательный смысл был неразрывно связан с возвышенной поэтической красотой, в своем стремлении к естественности оно не сводилось к мелкой повседневной жизни. Искусство стало всеобщей духовной потребностью.

Конечно, Ренессанс - одна из самых красивых эпох в истории человечества.